{"id":26090,"date":"2024-03-04T18:21:56","date_gmt":"2024-03-04T17:21:56","guid":{"rendered":"https:\/\/www.alonso-businesscoaching.es\/blog\/?p=26090"},"modified":"2024-10-01T18:49:14","modified_gmt":"2024-10-01T16:49:14","slug":"orfeo-y-euridice-los-costes-de-una-musica-preliminar","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.alonso-businesscoaching.es\/blog\/04-03-2024\/orfeo-y-euridice-los-costes-de-una-musica-preliminar\/","title":{"rendered":"“Orfeo y Eur\u00eddice”… los costes de una m\u00fasica preliminar"},"content":{"rendered":"
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\"\"<\/a><\/figure>\n<\/div>\n\n\n

La pertenencia de una \u00f3pera al repertorio actual no siempre responde solo al favor popular, pues en algunas influyen otras consideraciones defendidas por los programadores y los medios de comunicaci\u00f3n, como por ejemplo su trascendencia hist\u00f3rica al ser principio de algo o en ocasiones incluso final.<\/p>\n\n\n\n

Esto le ocurre a \u201cOrfeo y Eur\u00eddice\u201d (C. W. Gluck-1762), una obra que nace con la pretensi\u00f3n de reformar la \u00f3pera seria italiana (la que conocemos como \u00f3pera barroca), cuyos m\u00e1ximos exponentes fueron el compositor alem\u00e1n Georg Friedrich H\u00e4ndel, el libretista italiano Pietro Metastasio y el \u201ccastrato\u201d Farinelli, empe\u00f1ados ante todo en lucir sus artes a\u00f1adiendo a las obras m\u00e1s y m\u00e1s complejidad. Gluck, en cambio, trat\u00f3 de simplificar buscando un cierto minimalismo musical, suprimiendo los recitativos \u201cseccos\u201d (los suyos suelen incorporar un discreto acompa\u00f1amiento orquestal), las arias \u201cda capo\u201d (pues ya no busca ese canto melism\u00e1tico con gran virtuosismo vocal) y a la manera de la tragedia griega, devolviendo a la acci\u00f3n dram\u00e1tica su papel principal. Todo ello tuvo gran influencia posterior (Mozart, Beethoven o Wagner), pero como cualquier intento precursor, no llega a la maestr\u00eda que el desarrollo ulterior lograr\u00eda alcanzar.<\/p>\n\n\n\n

Y es que, eliminados los ornamentos de su m\u00fasica y de la interpretaci\u00f3n vocal, \u201cOrfeo y Eur\u00eddice\u201d resulta un tanto llana al escucharla entera y sin soluci\u00f3n de continuidad, tal como ocurre en una representaci\u00f3n teatral. No tanto, claro, si nos limitamos solo a ciertos pasajes como la \u201cDanza de los esp\u00edritus bienaventurados\u201d (Acto II-Escena II) o la famosa aria \u201cChe far\u00f2 senza Euridice\u201d (Acto III-Escena I), igualmente sencillos y tristes, si bien plenos de armon\u00eda e inspiraci\u00f3n emocional. Y digo tristes porque toda la obra destila un lastimero y doliente decaimiento del que no se libran ni los supuestos momentos de felicidad (algo que m\u00e1s tarde escucharemos en el \u201cLied\u201d alem\u00e1n). Por tanto, ante el espectador actual, la puesta en escena de esta \u00f3pera deviene en un factor de \u00e9xito crucial, pues debe ser capaz de aportar una lectura que consiga dinamizar ese valle de homogeneidad musical.<\/p>\n\n\n\n

Les Arts estren\u00f3 ayer \u201cOrfeo y Eur\u00eddice\u201d (versi\u00f3n vienesa) en una coproducci\u00f3n de cuatro teatros (nutrida mancomunidad, pues parece que en estos tiempos ya nadie tiene presupuesto para afrontar una producci\u00f3n en soledad) y tambi\u00e9n con cuatro representaciones (un par menos de lo habitual), habida cuenta de que este tipo de m\u00fasica preliminar de la \u00f3pera rom\u00e1ntica no atrae del todo al p\u00fablico en general.<\/p>\n\n\n\n

En esta ocasi\u00f3n, la escenograf\u00eda propuesta por Robert Carsen sum\u00f3 en lugar de restar. Y es que, casi siempre menos es m\u00e1s, en especial cuando se trata de traer la historia a la actualidad. Un desnudo p\u00e1ramo es el continente de esta obra cuya acci\u00f3n se podr\u00eda contar en solo un par de l\u00edneas, pero que aqu\u00ed resulta amena por la gran labor actoral de coro y solistas, todos al servicio de una imagen pl\u00e1stica tan art\u00edstica (escena de las candelas y los esp\u00edritus ensabanados, por ejemplo) como ingeniosa en el movimiento de personajes (escena entre Orfeo y Eur\u00eddice, que no se pueden mirar a la vez que nos deben mirar para cantar). Todos los personajes visten a lo “Bodas de sangre”, en un blanco y negro eclipsador de cualquier motivo ajeno a la adversidad que representa una sencilla tumba, puerta de entrada al tenebroso m\u00e1s all\u00e1. <\/p>\n\n\n\n

En lo musical, el director principal de “Les Musiciens du Prince-M\u00f3naco”, Gianluca Capuano, nos present\u00f3 una versi\u00f3n acelerada (85 minutos) de esta \u00f3pera, algo que no la suele mejorar. Estoy con Celibidache y su pausada solemnidad, pues lo contrario (comp\u00e1rese la enloquecida versi\u00f3n grabada en el 53 por Glen Gould de las \u201cVariaciones Goldberg\u201d con su m\u00e1s reposada de 1981) lleva a la trivializaci\u00f3n musical. En este circuito de velocidad, hubo extra\u00f1as contradicciones como la de \u201cChe far\u00f2 senza Euridice\u201d, interpretada al sprint durante su primera parte para decelerar en la segunda, tanto que nunca parec\u00eda terminar.<\/p>\n\n\n\n

A la Orquesta de la Comunidad Valenciana le ocurri\u00f3 lo que a todas (filarm\u00f3nicas de Berl\u00edn y Viena incluidas) cuando afrontan el repertorio precl\u00e1sico y es que suenan mal. Acostumbrados al sonido \u201cHarnoncourt\u201d y su revisionismo historicista, solo las formaciones especialistas en el repertorio barroco y medieval son capaces de sonar como los autores de aquellas \u00e9pocas imaginaron y las orquestas vinieron a interpretar. Se trata de una cuesti\u00f3n de estilo, pues cualquier orquesta rom\u00e1ntica con instrumentos originales tampoco lograr\u00edan alcanzar esa fidelidad.<\/p>\n\n\n\n

En lo vocal, el triunfador de la velada fue el Coro de la Generalidad Valenciana, certero en estilo e inmenso en empaste y teatralidad. En la Scala o en el Metropolitan hubieran igualado cualquier r\u00e9cord de aplausos, sino m\u00e1s. Y a prop\u00f3sito de esto, durante toda la representaci\u00f3n no se aplaudi\u00f3 ninguna intervenci\u00f3n y no por dem\u00e9rito de los cantantes, sino porque esta pesarosa \u00f3pera sume al espectador en un intr\u00ednseco letargo que logra anestesiar cualquier intento de mostrar recompensas hasta llegar al final.<\/p>\n\n\n\n

El protagonista total de la obra es Orfeo, que en aquellos tiempos lo cantaba un castrado porque era lo que solicitaba el p\u00fablico, aunque tenga poco de l\u00f3gico al tratarse de una voz que no contrasta con la de Eur\u00eddice y adem\u00e1s ahora no la hay. Vaya por delante que no soy fan de las voces masculinas agudas, como el tenor l\u00edrico ligero y en especial el contratenor, al que llego a soportar en disco, pero no en un escenario, donde imagen y voz me producen una confusi\u00f3n identitaria que no puedo remediar. Adem\u00e1s, los contratenores pierden parte de su cualidad vocal al emitir en falsete, algo similar a lo que ocurre con el ecualizador en un equipo de alta fidelidad. Al margen de esto (que es mi gusto personal) debo reconocer que el italiano (del Lugo de Italia) Carlo Vistoli, aunque suena grave para su cuerda, sabe cantar. Lo demostr\u00f3 en su ininterrumpida presencia plagada de pasajes que, si en apariencia parec\u00edan sencillos, estaban cargados de intr\u00ednseca dificultad. Por otra parte, tanto Francesca Aspromonte (Eur\u00eddice) como Elena Galitskaya (Amor), cumplieron en sus breves papeles, destacando m\u00e1s la segunda al conformar su personaje con gracia y expresividad. Hay que destacar que, siendo una excepci\u00f3n, el canto ayer se pudo escuchar, pues la orquesta (en la que sal\u00edan y entraban miembros por cada lateral) por momentos no llego a superar los veinte profesores, en otra demostraci\u00f3n del adelgazamiento reformista propuesto por el compositor alem\u00e1n. <\/p>\n\n\n\n

En esta ocasi\u00f3n ocurri\u00f3 lo contrario a lo que suele ser habitual en Les Arts, pues se baj\u00f3 el tel\u00f3n cuando el teatro permanec\u00eda lleno de espectadores, sentados y aplaudiendo sin parar (a las 19:30 h de un domingo no hay prisa por marchar). Fue una l\u00e1stima que ning\u00fan responsable de la escenograf\u00eda saliese a saludar para comprobar si el p\u00fablico coincide con el criterio que antes he intentado explicar.<\/p>\n\n\n\n

Quiero finalizar significando lo que, por imposible y por insultar a la inteligencia de los dem\u00e1s, nunca se debi\u00f3 publicar. Tras las numerosas quejas de aficionados y medios de comunicaci\u00f3n solicitando la restituci\u00f3n de los programas de mano impresos, Les Arts incluye ahora en su Web una p\u00e1gina titulada \u201cLes Arts en un mundo cambiante\u201d, donde explica su nueva pol\u00edtica de sostenibilidad. Entre otras medidas adoptadas est\u00e1 la de restringir los programas solo a lo digital y como prueba de acierto se indica que \u201c…la supresi\u00f3n de programas de mano en 12 espect\u00e1culos ha significado un ahorro de 24,84 toneladas de papel\u2026\u201d. Pues bien, calculando con extrema generosidad, si la Sala Principal de Les Arts cuenta con 1.412 localidades y cada espect\u00e1culo se ofrece en, como m\u00e1ximo, 6 representaciones, ello supondr\u00e1 unos 8.472 programas por t\u00edtulo que, siendo 12, arrojar\u00eda un total de 101.664, cuyo peso por unidad deber\u00e1 ser por necesidad de unos 244 gramos para as\u00ed lograr completar esas 24,84 toneladas de papel que esta poco matem\u00e1tica instituci\u00f3n se elogia en ahorrar. Es decir, que para ser esto real, uno solo de los programas de mano equivaldr\u00eda a un par de ejemplares juntos de \u201cCien a\u00f1os de soledad\u201d. “Sostenibilidad”, ese disfraz que viste cualquier desm\u00e1n…<\/p>\n\n\n\n

\n\n\n\n

Muchas y meritorias son las grabaciones disponibles de esta obra, aunque cabe significar la versi\u00f3n en italiano (1762) de Sigiswald Kuijken y Ren\u00e9 Jacobs (Orfeo-contratenor) con los instrumentos originales de La Petite Bande y el Collegium Vocale Gent, para ACCENT en 1982. Respecto de la versi\u00f3n adaptada al franc\u00e9s por Gluck en 1774 e instrumentada por Berlioz en 1859, destaca el pasional registro de John Eliot Gardiner con la Orquesta de la \u00d3pera de Lyon, el Coro Monteverdi, Anne Sofie von Otter (Orfeo-mezzosoprano) y Barbara Hendricks, para EMI en 1989. Al parecer, el papel de Orfeo ejerce de im\u00e1n para muchos cantantes, sea cual fuere su cuerda, como podemos apreciar en 1968, cuando el romanticista Karl Richter dirigi\u00f3 una grabaci\u00f3n para DG con el gran bar\u00edtono alem\u00e1n Dietrich Fischer-Dieskau en el papel de un ins\u00f3lito Orfeo por su varonil tonalidad. Incluso el belcantista Juan Diego Fl\u00f3rez (tenor l\u00edrico ligero) dirigido por Jes\u00fas L\u00f3pez-Cobos para DECCA, en 2010 y en franc\u00e9s lo quiso intentar.<\/p>\n\n\n\n

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La pertenencia de una \u00f3pera al repertorio actual no siempre responde solo al favor popular, pues en algunas influyen otras consideraciones defendidas por los programadores y los medios de comunicaci\u00f3n, como por ejemplo su trascendencia hist\u00f3rica al ser principio de algo o en ocasiones incluso final. Esto le ocurre a \u201cOrfeo y Eur\u00eddice\u201d (C. W. … <\/p>\n

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