Categoría: Cine-tiones

El pasado 14 de septiembre, coincidiendo con mi cumpleaños, tuve la oportunidad de acudir a una de las actividades propuestas por la edición vigésima del prestigioso “Hay Festival” en su sede de Segovia. Se trataba de la proyección de la película “Aún estoy aquí” de Walter Salles, multipremiada con galardones como Mejor Guion en el Festival de Cine de Venecia de 2024, Mejor Actriz de Drama para Fernanda Torres en los Globos de Oro de 2025 o el Óscar de ese mismo año a la mejor Película Internacional. La singularidad del pase radicaba en la anunciada presencia de Marcelo Paiva, hijo del coprotagonista real de la película y autor del libro en que esta se vino a inspirar. Finalmente, por problemas de salud, Marcelo no pudo asistir y fue su hermana Nalu Paiva quien le sustituyó y a la que al finalizar la proyección pude preguntar su opinión sobre la interpretación que Fernanda Torres hace de su madre (Eunice), contestándome que, aunque técnicamente era irreprochable, no destilaba su delicadeza y feminidad. En cambio, me dijo que Selton Mello encarnó a su padre con tal verosimilitud que por momentos lo veía real.

La película relata la lucha durante décadas de Eunice Paiva y sus cinco hijos (dos de los cuales he nombrado con anterioridad) por conseguir del Estado brasileño la certificación oficial del fallecimiento de su esposo Rubens, un excongresista que fue secuestrado (y asesinado) en 1971, durante la dictadura militar.

Nadie (y menos yo) podrá negar los méritos técnicos y artísticos de “Aún estoy aquí”, encumbrada por la crítica especializada en 2024 hasta lo más alto del ranking mundial. Sin embargo, este sobresaliente desciende a notable según mi opinión, que nunca recoge el componente ideológico de las películas, ese error de siempre que tanto confunde a los demás. Soy consciente de la imposibilidad de la creación cinematográfica objetiva y que la denuncia sociopolítica se configura en género aplaudido por quienes son partidarios de lo que se pretende recriminar. Pero la valoración de las películas no debiera incorporar filias y fobias doctrinarias, porque estas son personales y por consiguiente ajenas a lo general. El Cine de derechas o de izquierdas será bueno o malo con independencia de lo que nos quiera contar. De lo contrario, bodrios antitéticos como “Raza” (José Luis Sáenz de Heredia-1950) o “Queimada” (Gillo Pontecorvo-1969) seguirán reinando en las listas de aquellos que solo ven de la vida una mitad…

Hace un par de décadas y con profundo pesar dejé de asistir a las salas de cine con regularidad, cansado de comprar entradas para ver unas películas que, al acabar, me llenaban de un arrepentimiento visceral. La pertinaz ausencia de calidad instalada en la industria cinematográfica ya no me sale a cuenta y prefiero revisitar viejos títulos desde mi hogar. A lo sumo, una vez al año, suelo acudir al estreno de alguno de los pocos directores que aún tienen algo que contar sin traicionar aquello de séptimo arte, que fue y por desgracia no volverá. Entre ellos se encuentra Víctor Erice quien, con la magistral “El espíritu de la colmena” (1973) y la sobresaliente “El sur” (1983), se colocó al frente de la cinematografía nacional, lugar que parece nunca abandonará a pesar de “Cerrar los ojos”, un borrón en su escasa pero inmortal carrera profesional.

Escasa porque a los anteriores largometrajes de ficción solo hay que añadir otro magnífico en forma de documental, “El sol del membrillo” (1992) y un cautivador corto de 33 minutos llamado “La morte rouge” (2006), también documental. Inmortal porque nadie en España ha sido capaz de llenar una pantalla de esa magnética poesía audiovisual, que atrapa la emoción de cuantos buscan en el cine bastante más que un tipo de diversión que aplana los encefalogramas, reduciendo la edad mental a no más de lo prenatal.

La maravillosa entrevista concedida solo hace unas semanas por el esquivo Director al meritorio programa de RTVE “Historia de nuestro cine” (https://www.rtve.es/play/videos/historia-de-nuestro-cine/coloquio-homenaje-victor-erice/6978977/) con motivo del estreno de “Cerrar los ojos”, me cautivó tanto como sus películas, encontrando que obra y autor forman parte de un todo tan coherente como tremendamente lúcido y personal. Así pues, no me pude aguantar y su última película sería la que en este 2023 me llevase a una sala de cine, deseando encontrar una vez más en su obra algo que no pueden dar los demás.

Y… ¿qué ofrece el cine de Víctor Erice de especial? Pues cuatro milagros, cada uno de los cuales muy difíciles de alcanzar, pero que deben darse juntos para lograr la excelencia total:

“Cerrar los ojos” solo cumple el último toque de genialidad, lo que implica que sus 169 minutos de duración (eran 240 antes de estrenar) son difíciles de aguantar sin el apoyo de los demás.

No hay simbología más allá de algunos momentos y su maravilloso último plano, que sirve para que la película se pueda titular. La fotografía pretende replicar esos tristes claroscuros que conmueven en “El espíritu…” y “El sur”, pero solo los llega a imitar en algunas secuencias por la inusual diversidad de localizaciones, lo que confunde la armonía visual. Los diálogos, sorpresivamente, son largos y faltos de naturalidad.

Incluso la elección de Ana Torrent (sin duda deudora del homenaje a su primer papel) es errónea en su caracterización como hija de un José Coronado, solo nueve años mayor y a quien el maquillaje no logra del todo avejentar.

Con 83 años y al pausado ritmo de su producción, es posible que Víctor Erice no vuelva a rodar. Pero si así fuera, la decepción de su última película (aun cuando sea la mejor de la cartelera actual) no me impedirá volverle a visitar en una sala comercial…

No voy a ocultar mi pesar por la pérdida de un personaje cinematográfico que me acompaña desde la adolescencia y al que he sido fiel hasta ayer, cuando vi… “Sin tiempo para morir”, la última película de un James Bond irreconocible en un par de aspectos que son irrenunciables por troncales de su personalidad.

James Bond ya no es el “Bond, James Bond” que en 1953 creó Ian Fleming para convertirse luego en la saga más longeva de la cinematografía mundial, pero seguro que en el futuro tampoco lo será a tenor de cómo esta última entrega nos prepara el aterrizaje del sucesor/a de un Daniel Craig que se va. El desastre no tiene vuelta atrás y de tenerla, este título se debería eliminar.

Es indudable que un personaje cinematográfico con casi sesenta años de vida debe evolucionar con los tiempos, en un difícil equilibrio entre su naturaleza intrínseca y lo que en cada momento es actual. Pero la realidad que nos contempla, basada en la hipocresía social, resulta ser tan radical que no entiende nada que se aparte del credo de lo que es políticamente correcto, aunque destruya una personalidad. Es una lástima que la propuesta de evolución iniciada con “Skyfall” (la mejor de todas), en donde la humanización del personaje no contradecía sus principales claves de identidad, haya tomado otro camino, convirtiendo a Bond en lo que nunca llegáramos a imaginar

James Bond, desde “Dr. No” en 1962, ha seguido gustando a hombres y mujeres por igual, llenando las salas de espectadores que asumían a los malos malísimos de manual, las desenvueltas chicas Bond, los deportivos Aston Martin, los martinis agitados y no mezclados (según el original), los elegantes esmóquines de Brioni y luego de Tom Ford, las persecuciones imposibles y hasta la licencia para matar, como una fantasía que no estaban obligados a imitar. Nada hay de perjudicial en lo que no es real y esa ficción es el sello de identidad del cine, fabricador de historias para soñar. También la Ópera nos ofrece tramas y personajes de dudosa legitimidad y a nadie se le ha ocurrido enmendar el libreto de Arrigo Boito para el “Otelo” de Verdi por ser un maltratador sexual.

Quien lea esto se preguntará por aquello que no quiero especificar, pero mi discrecionalidad por respeto a la taquilla me obliga a callar lo que cada propio espectador en la sala deberá juzgar…